Muitos são os artistas que fizeram história, mas nem todos o fazem do ponto de vista da “totalidade”. Existem também totais, mas não conseguem se tornar ícones. E há quem consiga tudo isso graças ao seu talento, à sua estética, ao seu timbre de voz, à sua fala, ao seu carisma, à forma como penetra, supera, acompanha e até muda. Aquelas que conseguem fazer da sua memória uma daquelas que desperta algo dentro de si além do sorriso de ouvir aquela música que te marcou novamente, te transportando de volta ao dia em que você dançou abraçando alguém importante, ou sozinho em uma sala com as luzes apagadas transformada em sua discoteca pessoal. Um refúgio para onde voltar, para se deixar levar, para sentir e sentir, para desfrutar e divertir-se. Era David Bowie, o gênio cuja morte marca 10 anos desde sua morte em 2016 de câncer. Dois dias antes de lançar seu último álbum, estrela negra, dedicado ao seu 69º aniversário.
Ele nasceu em 8 de janeiro de 1947 em Brixton, sul de Londres. Filho de caixa de cinema e de agente comunitário, foi seu irmão mais velho quem injetou rock em suas veias e ele começou a formar suas primeiras bandas ainda adolescente. O primeiro, “Kon-rady”, quando ainda estava na escola. Nesse ínterim, para não ser confundido com o líder dos The Monkees Davy Jones, ele decidiu mudar seu sobrenome para “Bowie”, dando nome a algumas famosas facas americanas. Seu primeiro grande sucesso veio em 1969, coincidindo com o lançamento Apolo 11, Estranheza espacialque deu o título ao seu segundo álbum.
Naquela época, seu rosto já apresentava um dos traços mais característicos – um olho de cada cor. Bowie frequentou o George Underwood Center com o homem que se tornaria seu melhor amigo e mais tarde colaborador criativo. Tudo mudou – embora tenha sido eventualmente consertado – quando eles tinham 15 anos, depois que se apaixonaram pela mesma garota, levando a uma briga que incluiu socos que danificaram o músculo da íris esquerda do cantor. O impacto causou anisocoria, uma condição de visão caracterizada por tamanhos desiguais de pupilas. No seu caso, o braço esquerdo permaneceu permanentemente estendido, o que se tornou parte integrante e marcante da sua personalidade enigmática.
Sua ascensão final veio na década de setenta com o lançamento do álbum O homem que vendeu o mundocaracterizado pelo som rocha duraque desenvolveu a partir do rock acústico e folk de seus trabalhos anteriores. Seu estilo inovador ficou evidente na capa, com a cantora deitada com um vestido estilo japonês e cabelos longos.
Essa turnê promocional gerou a ideia do que mais tarde se tornaria seu personagem Ziggy Stardust, uma mistura de Iggy Pop e a música de Lou Reed que ele desenvolveria em seu álbum. A ascensão e queda de Ziggy Stardust e as aranhas de Marte desde 1972. Ele dedicou uma música ao seu alter ego, onde falava sobre um astro do rock alienígena bissexual e andrógino que atuava como mensageiro de seres alienígenas. O álbum inclui outra de suas composições mais icônicas: homem estrela.
Na segunda metade dos anos setenta publicou a chamada “Trilogia de Berlim” e seus álbuns com Brian Eno, como Imortal (1977). Bowie não só trabalhou em seus próprios álbuns, mas também contribuiu para a criação de obras de outros artistas como Iggy Pop. (Idiota, desejo pela vida)Lou Reed (Transformador) e clássico Mott The Hoople, todos os jovens.
Ele também aperfeiçoou seu papel como ator se jogando nos personagens que criou para sua música. Não é à toa que em suas atuações até como Ziggy em músicas como Ziggy Poeira Estelar E Aladim Sanéele os copiou em performances provocantes que incluíam de tudo, desde nudez até simulação de sexo oral no violão de Ronson e uso de roupas íntimas de lutador de sumô.
Do soul à música pop
Depois de recusar o papel de Ziggy, Bowie mudou-se para Nova York e depois para Los Angeles, onde produziu Cães de diamante (1974), criado entre o funk e o soul. O álbum foi baseado na mistura de um musical baseado em uma cidade pós-apocalíptica e na ideia de criar uma peça 1984 George Orwell. Alan Yentob dirigiu um documentário Omnibus: ator maluco durante a turnê do álbum retratando uma época de inspiração constante mas também de alto consumo de drogas. Depois de uma pausa, ele voltou com um álbum de soul Jovens americanos (1975), ao qual pertenceu Glóriauma música que ele escreveu com John Lennon que se tornou sua primeira música número um nos Estados Unidos.
Naquele mesmo ano, Bowie organizou uma entrevista via satélite para anunciar sua aposentadoria da música, a ser transmitida em 20 de novembro de 1975 no The Russell Harty Show. A conversa começou conforme planejado, incluindo o anúncio do álbum. Estação por estação e uma turnê mundial que o levará ao redor do planeta durante seis meses. Durante a conversa, a rádio recebeu um telefonema do governo espanhol solicitando o uso do satélite para transmitir internacionalmente a notícia da morte de Franco. O artista recusou.
Em 1976, com o agravamento do vício em cocaína, o músico mudou-se para a Suíça. Lá ele desenvolveu seu talento como pintor, criando pinturas pós-modernistas. Antes do final do ano, mudou-se para Berlim, atraído pela cena musical alemã, para desintoxicar e revitalizar a sua carreira. Na cidade, dividiu apartamento com Iggy Pop e começou a colaborar com Brian Eno.
O resultado foi o que é conhecido como Trilogia de Berlim (Curto, Heróis e inquilino). E daí para estourar, a partir de Monstros assustadores (e super arrepiantes)do qual ele fez parte Cinzas em cinzas. Em 1981, ele se juntou ao Queen para colaborar em um single. Sob pressãoum sucesso total então aquele filme Pós-bronzeado foi revivido há quatro anos quando foi escolhido como trilha sonora de uma das mais belas e simbólicas cenas com Paul Mescal dançando.
Ele também fez uma participação especial e compôs a trilha sonora do filme. Cristiane F.uma história verídica sobre o vício em drogas entre adolescentes na Berlim dos anos 1970. A música se tornou mais uma de suas incursões no cinema. gente gatopara o filme homônimo de Paul Schrader, que na Espanha foi traduzido como Beijo da Mulher Pantera– recebeu uma indicação ao Globo de Ouro. Outro de seus papéis mais populares foi Jareth, o Rei dos Duendes, a quem interpretou em dentro do labirintoJim Henson.
COM Vamos dançar atingiu outro marco comercial em 1983 com o lançamento do single de mesmo nome Amor moderno E chinês tópicos mais populares; e Bowie já havia se tornado um dos mais importantes criadores de videoclipes da época. Em 1984 colaborou em Essa noite com Tina Turner, e em 1897 voltou-se para o rock com toques de industrial e techno em Nunca me decepcione. Como integrante do grupo Tin Machine, continuou tocando rock; e novamente sozinho, em 1993, voltou-se para soul, jazz e hip-hop em Black Tie Ruído Branco. Mais tarde, chegou a compor trilhas sonoras para videogames. (Ômícron); e em 1999 disse adeus à música eletrônica com assistir.
Uma lenda intocada
Se houve algo que caracterizou a carreira de Bowie, foi sua capacidade de assumir riscos, de mudar repetidamente sua imagem e estilo sem perder um pingo de individualidade. Algo pelo qual recebeu o prêmio Grammy pelo conjunto de sua obra em 2006. Seu álbum foi lançado em 2013 No dia seguinte, que continha músicas com videoclipes acompanhados de polêmica, como a faixa-título do álbum, que trazia referências à crucificação de Cristo; E Dia dos Namoradosque conta a história de um homem que atirou e matou estudantes em uma igreja.
Logo depois, em 2014, Bowie anunciou que não lançaria mais músicas, e isso continuou até a notícia, no início de outubro de 2015, de que ele havia gravado um álbum de estúdio. estrela negraque ele publicará em seu aniversário, 8 de janeiro de 2016. Dois dias após seu lançamento, ele morreu de câncer no fígado em seu apartamento em Nova York.
Se já o foi em vida, a influência deste artista tão completo e único tornou-se ainda mais palpável após a sua morte e permanece intacta dez anos depois. Sua capacidade de explorar foi uma marca registrada de sua personalidade, o que o tornou um pioneiro da estética glamorosa. O seu universo é tão amplo, inteligente e complexo que continua a gerar leituras de um legado que, uma década depois da sua despedida, permanece indelével e até permeável a um maior desenvolvimento, agora através daqueles que continuam a alimentar-se da sua arte em todas as suas formas, texturas e vertentes.
