Julia Ducournau tem um mapa na cabeça para cada filme que faz. Ele entende claramente cada decisão que toma, cada linha do roteiro. Ela faz isso porque cada filme que faz é importante para ela. Depois de receber a Palma de Ouro titânio Eu poderia fazer qualquer coisa, qualquer projeto de terror em Hollywood. E ainda assim, ele encontrou um filme como Alfa, filmado na França, com alguns diálogos em farsi, que trata da AIDS no gênero dos anos 90 e chega aos cinemas nesta sexta-feira.
Mas se titânio gêneros interrompidos para questionar o retrato do gênero como uma construção, Alfa Isto vira de cabeça para baixo a forma como o cinema retratou a AIDS e aqueles que morreram durante esses anos. Os corpos dos infectados são feitos de mármore e, numa narrativa complexa e intrincada, Ducournau constrói um exercício de memória que poderia dar um excelente programa duplo com Peregrinação, Karla Simão.
E tudo isso sem abrir mão da sua personalidade. À intensidade que tanto criticam, a esses desabafos horror corporale amor indubitável por seus heróis. Alfa Este é um filme em que você pula sem rede, mas em que cada decisão tomada é clara.
Eu lembro que você disse isso titânio Foi um filme sobre amor. Eu acho que Alfa, Embora seja sobre AIDS, de memória é também uma história de amor.
Sim, absolutamente. Existe uma correlação com titânio. Para mim, o cinema é um fluxo contínuo. Em cada filme tento explorar minhas emoções, minhas obsessões, meu mundo interior. Chegar a um lugar, não desconhecido, mas inesperado, onde eu mesmo não espero, onde encontro coisas que, parece-me, não foram ditas. Coisas que para mim são difíceis de falar e que não serão fáceis de resolver.
Quando eu fiz titâniotoda a estrutura do filme é construída em torno dos últimos 15 minutos, esse momento culminante de amor incondicional entre dois personagens que nunca deveriam ter se conhecido e que, se o tivessem feito, deveriam ter se matado. Para mim o principal foi ver como essas duas pessoas se escolheram e se amaram incondicionalmente, formando um amor absoluto baseado no amor familiar, filial e romântico. Amor absoluto. Na última cena eles dizem “eu te amo” um para o outro e eu achei isso muito problemático. Quando escrevi o roteiro, escrevi e apaguei várias vezes. Durante as filmagens, gravei takes com e sem “I Love You”, até ligando e desligando na sala de edição.
Porque?
Eu só estava me perguntando por que era tão difícil para mim usar as três palavras que são mais usadas em todos os filmes, em todas as línguas do mundo, desde o início do cinema. Acho que meu maior problema é que, antes de tudo, sou muito tímido com as palavras. Sempre tenho medo de que as palavras expliquem uma situação ou diminuam as emoções que só as imagens e o som podem transmitir. E também porque “eu te amo” me parecia um clichê naquela época da minha vida. E eu estava com medo de usá-lo. No final decidi deixar porque pensei: “Se é um cliché, há uma razão para isso”. Porque quando você diz isso, é uma verdade tão universal que de certa forma meus personagens deixam de ser apenas personagens de titânio e eles se tornam verdadeiros heróis universais. Por isso decidi mantê-lo. Quando comecei com AlfaPensei: “Ok, você teve um grande problema com essa palavra. Acho que você deveria entender o porquê.” Então decidi fazer um filme que soasse como “eu te amo” do início ao fim. E essa é a ligação entre esses dois filmes: como tento me expressar mais na expressão do próprio amor.
Outro ponto comum é a forma como ele ama seus personagens, embora recorra ao gênero ou ao terror corporal, acho que é até cinema humanístico. E isto numa altura em que muitos cineastas confiam no cinismo. O seu cinema é uma forma de combater isso?
Esta é uma boa pergunta. Digamos apenas que não pretendo fazer isso. Eu também não diria que todos os meus colegas cineastas são cínicos. Acho que, infelizmente, o ódio prevalece no mundo hoje. O ódio é um refúgio para quem se sente desamparado. E infelizmente, quando o medo se espalha na sociedade, traz consigo rejeição e ódio, que é o que vivenciamos. É exatamente sobre isso que falo no filme. Não é que eu tenha tentado lutar contra isso conscientemente, mas para mim arte é amor.
Carlos Saura é provavelmente, junto com Fellini, num sentido completamente diferente, aquele que mais se aproximou de retratar a infância, quem mais se aproximou de como eu a senti.
Júlia Ducournau
– Diretor de cinema
Trata-se de ser capaz de nos conectarmos com as experiências de personagens desconhecidos, de artistas desconhecidos, e ao mesmo tempo tentar alcançar aquela humanidade comum que todos partilhamos, para que possamos criar comunicação em torno de uma obra, seja ela uma pintura, uma canção, um filme, ou o que quer que seja. Mas para mim, o propósito da arte é levantar questões. Nunca dando respostas, sempre fazendo mais perguntas, questionando a nossa humanidade e dialogando. Desde que haja diálogo, ele pode ser usado como base para a empatia.
Certamente lhe mencionaram que seu filme coincide com Peregrinação Karla Simão. Ambos, cada um de lugares diferentes, falam sobre a AIDS, e o fazem prestando homenagem a uma geração esquecida e demonizada. Existe um desejo em seu projeto de salvar essas pessoas?
Tenho certeza de que Carla e eu estamos igualmente indignados com o fato de nunca ter havido reembolso ou pedido de desculpas pela forma como os pacientes e suas famílias eram tratados nos anos 90. Globalmente, em toda a sociedade. A forma como eram isolados socialmente, estigmatizados, envergonhados do seu estilo de vida. A Carla e eu somos mais ou menos da mesma geração e vimos como se fez acreditar que isso só afectava uma parte da população e que a culpa era deles. Essencialmente, tínhamos que cuidar de quem precisava. O facto de este abuso nunca ter sido reconhecido é algo que nós, a próxima geração, testemunhamos em primeira mão. É como se esse abuso estivesse escondido e muitas pessoas se esquecessem da gravidade do problema e até que ponto a sociedade ignorava as pessoas infectadas pelo vírus. E isso causou muita raiva em nossa geração.
Este é um filme sobre a memória e como a memória é algo político.
O que você diz é muito verdade. Acho que a memória em geral é 100% uma questão política. E eu realmente acredito que qualquer coisa escondida, varrida para debaixo do tapete, não dita, não reconhecida e não resolvida torna-se um tabu e só pode piorar com o tempo. Isso só pode levar a mais lesões. Acho que ainda hoje, se pensarmos nas consequências da Covid, embora durante a pandemia não tenha havido estigmatização da população pelo seu estilo de vida, vivemos uma recessão económica, uma inflação.
Muitos jovens interromperam os estudos, não conseguiram posteriormente encontrar trabalho e ainda são obrigados a viver com os pais, existindo também uma forma de estigmatização desta geração mais jovem. Os idosos costumam dizer: “Você ainda mora com seus pais porque é preguiçoso e não quer trabalhar”. Isso é uma mentira. Sabemos que isso não é verdade. Nós sabemos disso. Não é que eles não queiram trabalhar. Simplesmente não há trabalho e tudo é tão caro que é impossível pagar o aluguel. E assim, novamente, a vergonha é criada e isto é algo que precisa de ser reconhecido e dito, porque caso contrário, dentro de 15 anos, esta geração mais jovem será os adultos de hoje e não sei quais serão as consequências, mas isso só pode alimentar ainda mais a raiva.
Procure beleza nos corpos dos infectados, eles são como estátuas de mármore, enquanto antes nos filmes eram apresentados de forma completamente oposta.
O tema beleza é muito complexo porque não é um conceito objetivo. O que considero bonito, você pode considerar feio, repulsivo ou nojento. No entanto, significou muito para mim, especialmente tendo em conta a minha reputação como realizador e os dois filmes anteriores que dirigi. Eu tinha medo que as pessoas viessem esperando algo chocante, que ficassem assustadas, que se sentissem desagradáveis e desconfortáveis. Queria que o público sentisse imediatamente empatia pelos pacientes e não os percebesse como estranhos, mas os aceitasse como pessoas, como se precisássemos de ajuda ou estivéssemos doentes. Sem qualquer distância segura entre nós e eles.
Eu queria que eles os achassem lindos. Mas pensei: o que é beleza? A questão da beleza não precisa ser objetiva. O meu ponto de vista, tal como o de Julia Ducournau, é irrelevante. O que importa é o que o Alfa pensa deles. E se o Alfa achar alguém bonito, todos pensarão assim. Então esse foi o primeiro ponto em relação à beleza. A utilização do mármore foi para mim algo imediato e óbvio desde o início, porque o mármore é um material muito nobre, normalmente utilizado para representar santos em catedrais e igrejas. Este é um material muito nobre e sagrado. E, de facto, quis usar isto para de alguma forma enobrecer as vidas e mortes daqueles que perdemos, pessoas que a sociedade considerava párias, marginalizadas, para elevá-las a um nível sagrado, a um nível de nobreza e dignidade absoluta.
Eu vi um vídeo dele indo para Loja de Vídeo Konbini e como ele falou sobre Criação de corvosCarlos Saura, queria perguntar a ele sobre essa influência porque ele é um dos grandes diretores daqui, mas não é tão reconhecido lá fora.
Este filme mudou completamente a minha atitude em relação ao cinema em geral e teve um impacto profundo em mim. Eu a vi quando era muito jovem. Quando a vi pela primeira vez, eu tinha oito anos, mais ou menos a mesma idade da Ana do filme, interpretada por Ana Torrent. E foi a primeira vez na minha vida que assisti a um filme não como mero espetáculo ou entretenimento, mas senti que o personagem poderia se conectar comigo, e eu com ele, como se ele fosse real, como se ele me entendesse e como se eu o entendesse. Fiquei obcecado pela Ana a ponto de ela ser quase como uma amiga, como se fosse parte de mim. E então pela primeira vez percebi que a arte foi criada para isso. Para encontrar, como eu disse, essa humanidade comum entre nós. Foi uma revelação para mim. Não se tratava de ver a história de fora, mas de criar uma conexão interna com o personagem. E isso mudou minha visão do cinema.
Depois, à medida que fui crescendo, percebi que a ligação que tive quando era uma menina de oito anos era, na verdade, com um homem de sessenta anos que criou Ana, o que, novamente, é confuso quando se pensa nisso. Acho que Carlos Saura é provavelmente, junto com Fellini, num sentido completamente diferente, aquele que mais se aproximou de retratar a infância, que mais se aproximou de como eu a senti. Não é uma idade de inocência, mas uma idade que, graças à sua hipersensibilidade, é uma idade em que você entende tudo e percebe quando estão mentindo para você, e entende que você também tem lados extremamente fortes. Sempre dizemos que os poetas são crianças e as crianças são poetas. Acho que Carlos Saura, a este nível, certamente conseguiu.
