Jim Sheridan (Dublin, 1949) é um dos cineastas mais emocionantes que surgiu no cenário europeu no final da década de 1980. Tendo se dedicado ao teatro no início da carreira, onde brilhou como dramaturgo, obteve grande sucesso de público e … críticas quando estreou como diretor de cinema em 1989 com seu filme “Minha perna esquerda”. Estrelando Daniel Day-Lewisganhando seu primeiro Oscar de Melhor Ator, este filme marcou o início de uma colaboração entre eles que mais tarde renderia outros frutos notáveis, como dramas “Em nome do pai” (1993) e “Boxer” (1997). Ontem, o realizador irlandês recebeu o Prémio Honorário Giraldillo no XXII Festival de Cinema Europeu de Sevilha em reconhecimento por toda a sua carreira profissional. Além disso, apresentou seu último longa-metragem, “Recreação”que ele escreveu e dirigiu com David Merriman e que é uma reconstrução do julgamento nunca realizado do jornalista britânico Ian Bailey, condenado à revelia pelo assassinato de Sophie Toscan du Plantier, que se tornou um dos acontecimentos mais chocantes da história recente da Irlanda. Este drama com atmosfera puramente teatral é também uma homenagem ao clássico Doze Homens Sem Misericórdia, de Sidney Lumet.
— O que significa para você receber o Prêmio Honorário Giraldillo no Festival de Cinema Europeu de Sevilha?
“Fiquei surpreso e muito lisonjeado por eles terem me dado isso.” Adoro Sevilha porque há sol e música. Eu realmente queria vir porque assim poderia escapar do inverno do norte.
“Este festival não é apenas um porta-estandarte do cinema europeu, mas também uma importante defesa do cinema de autor. O que acha da competição ser tão distintiva para o cinema de autor?
— Acho isso fantástico, porque fazer filmes de autor está cada vez mais difícil. Quanto mais o tempo passa, mais vemos cinema de menor denominador comum. No entanto, acho que as plataformas de streaming têm uma grande vantagem. Na Academia Europeia de Cinema digo que temos de garantir que os filmes europeus tenham uma linguagem comum, e isso está a acontecer agora graças à tecnologia. Acho que isso mudará a percepção do cinema em todos os lugares.
— O seu filme tem um olhar especial sobre os conflitos sociais e políticos na Irlanda.
-Sim. Lembro-me de que, há muitos anos, vinha frequentemente à Espanha. Visitei o norte de Espanha várias vezes quando o País Basco teve problemas com o terrorismo. Eu disse a eles que Em Nome do Pai retrata a história de um pai não violento. As pessoas entenderam mal a história e pensaram que o filme era sobre vingança contra os britânicos, mas na verdade não era. Neste filme, capto uma história contra a injustiça, mas no centro está a perspectiva de um pai que não é propenso à violência.
— Os seus filmes têm uma profunda componente ética e emocional.
-Realmente. Estou tentando descobrir a verdade sobre as situações de onde venho. James Joyce disse sobre a Irlanda: “A história é um pesadelo do qual estou tentando acordar.” Não é que decidimos complicar a situação. Isso não significa que decidimos lutar sempre. Esta é a história de onde viemos. Somos provavelmente o país pós-colonial mais bem documentado do mundo ocidental.
— Você sempre teve atores maravilhosos, principalmente Daniel Day-Lewis, que é considerado um dos melhores atores do mundo e com quem colaborou em três filmes. Que tipo de trabalho vocês fizeram juntos?
“Foi ótimo trabalhar com Daniel e ótimo vê-lo novamente no filme de seu filho.” Ele é um ator muito bom, mas é uma pessoa ainda melhor. Ele tem profunda humanidade e também é poeta. Apenas decida trabalhar para chegar à verdade, em vez de criar problemas. Ele é muito específico em sua aplicação de interpretação de métodos. Ele não aplica essa interpretação como um louco, ele faz isso com muito propósito.
“Então, acho que você entendeu perfeitamente quando Daniel Day-Lewis se afastou da indústria cinematográfica por vários anos e se concentrou em sua vida pessoal.
-Certamente. É como se você precisasse recarregar as baterias. Ele opera em um nível tão intenso que acho que consome muita energia dele. Às vezes você se sente sobrecarregado e esgotou todo o combustível que lhe dá o impulso para seguir em frente.
– Como consegue aliar o realismo socialista à procura do poético e do espiritual no seu cinema?
— O realismo socialista é de onde venho no teatro. Estou tentando capturar o que chamo de emoções invisíveis. Se as emoções são invisíveis, então o visível interfere no invisível. Não estou interessado em criar imagens ilustrativas, estou mais interessado na verdade mais profunda e não sei o quão forte sou quando se trata de criar imagens pictóricas. Minha força é a verdade emocional. As pessoas entendem mal o que os filmes realmente tratam. O público pensa que é mitologia ou narrativa, mas no fundo é na verdade um diálogo muito simples com o público. O que importa é se eu acredito ou não. É algo muito religioso. Isso é mais profundo do que a narrativa mitológica usual. O que quero dizer é que quando alguém vai ver um filme, projeta suas crenças no que está acontecendo na tela. Se essas crenças acabarem colidindo, a pessoa não acredita no que vê. E se você não acredita no que vê, você está fora. Você tem que capturar as crenças das pessoas.
— Você tem falado repetidamente sobre os estados do meio-oeste americano, por quê?
— Na América profunda não existe cultura europeia ou colectiva, é individualismo de alto nível. O roteirista de Taxi Driver, Paul Schrader, demonstrou um alto nível de individualismo protestante. O estranho é que todos entenderam esse individualismo do protestantismo. Em última análise, este é o filme que se tornará popular. Em filmes de grupo isto é muito mais difícil de conseguir. Quando se traduz da Irlanda para Espanha ou França, é preciso encontrar uma fórmula para superar coisas da cultura mais primitiva, não no sentido mais negativo, mas no sentido mais primitivo e religioso. O cinema adora violência e bodes expiatórios. O cinema satisfaz brutal e facilmente as origens primordiais da violência. Eu já deixei essas coisas. Acho difícil lidar com sexo e violência no set. Eu simplesmente não entendo isso. Nos filmes de cowboy, quando o cowboy beijava a garota, as crianças faziam “oooh” porque achavam que o filme havia acabado. Os adultos os silenciaram. Mas as crianças estavam certas, porque entenderam que não se pode pegar o masculino e o feminino e juntá-los no meio de um filme. Você tem que esperar até o final do filme. Os melhores beijos são os do final do Cinema Paradiso. É difícil acreditar num beijo, é uma coisa tão primitiva que a emotividade desaparece e você não consegue entrar. O cinema pode ser tão íntimo.
— Em seu último filme, Reconstrução, você retrata um julgamento que nunca aconteceu e também dá uma olhada muito teatral nos atores.
— Tive dificuldades com esse filme. Eu estava fazendo outro filme e de repente eles ficaram sem dinheiro. Tive que tomar a decisão muito rapidamente de limitar a história a um conjunto. Decidi homenagear Sidney Lumet e seus Doze Homens de Piedade. Tivemos apenas cinco dias para rodar o filme. Eu tive que encontrar uma solução. No final, gostei do desfecho que obtivemos com essa história. A paleta mostrada é muito limitada, mas me interessa porque o filme diz muitas coisas que são verdadeiras.
