O Palácio das Artes Valenciano dá as boas-vindas ao seu novo diretor musical, o britânico Sir Mark Elder, num ambiente de euforia e satisfação. Elder dirigiu vários concertos sinfônicos no teatro, mas agora está descendo ao palco como diretor de uma nova produção. … de 'Louise Miller'. Argentina Valentina Carrasco assina uma proposta de palco que Palau está coproduzindo com Musical Maggio Fiorentino. O sucesso alcançado na estreia do dia 10 ainda esteve presente no início da apresentação de quarta-feira, a terceira de cinco previstas para um título que a imprensa conservadora e espanhola de 1851, quando a obra era conhecida em Madrid, considerou um ataque às leis morais.
Um século e meio depois, a percepção do trabalho mudou, embora o sofrimento que o tornou possível ainda esteja muito vivo. O Ancião, Carrasco e um elenco que condiz com a essência dos personagens os identificam e representam. E esta é a razão que torna possível esta incrível recepção.”Louise Millerem Valência e o que atrai a atenção do público que vem ao teatro, pronto para quebrar a preguiça geral. O que ele encontra, em vez disso, é um espetáculo sofisticado que exige sofisticação e bom gosto, olhar concentrado (incluindo o pequeno sacrifício de desligar o celular antes de escurecer) e até senso analítico.
Elder oferece ao público uma leitura sábia, digna de um diretor veterano cujo único interesse é compartilhar experiências. A percepção global da sua obra impressiona pela sua lógica e coerência devido ao sentido narrativo com que trata a obra. Transparência alcançada Orquestra da Comunidade Valenciana Ele é digno de admiração, a naturalidade com que evoca vozes surpreende, o equilíbrio do som geral é um exemplo de sofisticação. Em tempos de tensão e extremos, Elder invoca uma arcadia sonora que parece perdida. Mas o seu trabalho também deve ser entendido em termos da sua própria ausência.
Trabalho substancial
Neste sentido é útil recordar o breve e informativo trabalho do seu antecessor na posse de Palau, James Gaffiganum diretor que, do ponto de vista musical, soube demonstrar a paixão que o palco da ópera pode acomodar, principalmente quando se trata de títulos que evidenciam as contradições humanas. Por esta razão, o analítico em Elder também tem um sabor intelectual, que em Louise Miller se torna mais evidente nos primeiros atos, enquanto a obra ainda é herdeira dos estilos anteriores de bel canto e a expressão vem através dos acentos suaves da orquestra que flui calmamente.
Tudo isto ganha outra novidade no quarto ato, onde Verdi abre um novo território, mais pessoal porque é habitado por muitos dos fantasmas aos quais foi tão fiel nas suas óperas posteriores. Carrasco os torna muito óbvios, pois sua produção compreende impecavelmente a importância da relação de dependência entre pai e filha nos dramas de Verdi, o mal inato inevitavelmente associado às vozes profundas, o anseio ingênuo de um tenor apaixonado que não consegue ver além das aparências, da traição, do ciúme, do cinismo e do deleite cego. Concluindo, o quarto ato mostra um Ancião poderoso, decidido, forte, amplamente expressivo e conscientemente “educado”.
A mão dela dá sentido a esta “Louise Miller” porque a cumplicidade do elenco sai do buraco. É liderado por uma soprano italiana. Mariangela Sicília. Acompanhando a evolução geral, ela e todos os intérpretes mostraram na quarta-feira sua melhor imagem à medida que o trabalho avançava, unindo forças e agregando recursos para uma expressão rigorosa. A qualidade da linha que a Sicília exala, em última análise, pinta um personagem a meio caminho entre a angústia e a fragilidade. E ele está aqui quando enfrenta o diabólico Vorm, que decidiu romper seu relacionamento com Rodolfo por estrito interesse próprio. Uma interpretação ousada e fechada do baixo é fundamental aqui. Gianluca Burattocapaz de se tornar um contraponto a um encontro catastrófico, com uma voz bem armada e uma interpretação decisiva.
Mariangela Sicília
Mas Mariangela Sicilia ainda tem que fazer um impressionante “dueto” com o pai, “La tomba è un letto sparso di fiori”, no qual prometem um futuro comum que, como ela mesma sabe, será impossível. A interpretação é poderosa e ecoa o barítono argentino. Germán Enrique Alcântara. Ele e Mark Elder fortaleceram seu relacionamento após a gravação “Simon Boccanegra', na versão original de 1857. Após publicação nos primeiros meses deste ano, o crítico Pablo L. Rodríguez Na revista Scherzo chamou-o de excelente, destacando o discurso sutil e colorido de Alcântara. Em Valência actua com um Miller particularmente brilhante nos agudos, que já na sua ária de abertura “Sacra la scelta è d'un consorte”, uma das maiores criações de barítono de Verdi, cimentou a personagem.
A cena final no palco do Palácio das Artes é, claro, decisiva. No fundo do coração de Luisa, Rodolfo continua presente, e com ele ela vive a tragédia do êxodo, o momento de glória do tenor anglo-italiano. Freddy TommasoÉ especialmente brilhante quando o drama estreita caminhos para maior tensão emocional. Enfrenta com brio e energia o inevitável “Quando le sere al placido”, tão reminiscente, na sua essência, dos antigos belcantismos e reservas para completar o seu momento estelar com uma clara demonstração de capacidade. Somado a tudo isso houve um desempenho sólido do baixo italiano. Alex Espositobem conhecido em Valência depois do seu papel anterior em Fausto e que aqui dá sentido ao Conde Walter. E no resumo final – soprano russo Maria Barakova como Federica, com uma aparência muito digna e Lara Grigorievamembro do Centro de Excelência do Palácio das Artes, para a rodada de Laura.
O que está em causa no Palácio das Artes tem muito a ver com o palco compacto e inteligente Valentina Carrasco. A percepção inicial é crucial graças ao cenário criado Carlos Berga. Na frente do espectador está uma fábrica de bonecas dirigida por Miller, pai de Louise. Acima, no último andar, fica o escritório, centro do poder, dominado por um grande W numa referência ambígua a Walter e Wurm. Carrasco aponta no programa da mão que a grande tragédia heróica (aqui manifestada na grandiosidade cenográfica) se transforma em um drama íntimo burguês em que se torna possível a projeção de desejos, decepções e discórdias. Carrasco esclarece que a trama gira em torno de dois pais que amam possessivamente os filhos, são surdos aos seus desejos e querem ver neles apenas a sua própria imagem. Walter vê em Rodolfo, insiste Carrasco, um homem capaz de alcançar uma posição econômica e política poderosa; Miller vê em sua filha Louise uma garota virtuosa e nobre que deveria acompanhá-lo na velhice.
Mas o sentido último não está nas personagens descritas por Carrasco, mas nos seres inanimados que habitam a fábrica: naquelas marionetas e bonecos que, desde o século XIX, em que agora se desenrola a acção, adquiriram significado como objectos didácticos e que, sendo uma projecção do próprio corpo, tornaram inevitável o acréscimo de desejos e angústias. Há muita coisa perturbadora na cena de Carrasco (os bonecos podem ser perturbadores, como uma porta entreaberta) e, nada menos, no desmembramento gradual de corpos inanimados no espaço, que transforma o hiperrealismo original em algo antinatural. A imposição do inconsciente às evidências atinge seu clímax quando, no final, Rodolfo morre acompanhado de uma boneca, e não ao lado de Luisa, que, num gesto afetado e cinematográfico (ícones do cinema são parte integrante do inconsciente coletivo), caminha até o fundo do palco no escuro e contra um feixe de luz ofuscante.
É óbvio que sua salvação, por outro lado, é a troca que Carrasco sugere no roteiro. Salvatore Cammarano Escrito depois de Schiller, tem um significado atual e vingativo, embora tenha sido um brinquedo nas mãos de todas as pessoas. O final também dá ao personagem uma resiliência sem precedentes. Portanto, tudo o que fica aparente na cena de Carrasco nada mais é do que uma metáfora para explicar as relações pessoais tóxicas que “Louise Miller” traz ao palco.
Marcada como um ponto de viragem no seu catálogo, a ópera de Verdi não é um título frequente, mas já é referenciada no Palacio de Arte de Valência. Lorin Maazel ele a encenou em 2008 em uma versão poderosa que pode ter sido relacionada à sua própria gravação com Ricciarelli, Domingo, Obraztsova e Bruson. Mark Elder agora recupera o título, dando-lhe novamente fama inegável. Não é de estranhar que o clima de euforia que permeia o Palácio das Artes seja tão evidente.
